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- 从1960年代至今，美国Studio Glass运动兴起，奠定了玻璃艺术最大的创作空间和收藏市场。不过半个世纪，这个年轻的、充满野望的国度，以强大的经济实力，在汲取了意大利慕拉诺等传统玻璃中心传承数百年的工艺的基础上，发展了极度蓬勃的玻璃艺术。
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- Ruby Conical lintersection with Amber Sphere by Harvey Littleton
Eye by Harvey Littleton
特别感谢美国康宁博物馆提供图片授权
Special thanks to Coring Museum of Glass for the pictures. 
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由于自己的父亲就供职于康宁玻璃博物馆，哈维·利特顿（Harvey Littleton）与玻璃的缘分可谓是“天注定”。但他的年轻时代，玻璃在美国仅仅是大规模工业制造的材料，尚未发展艺术的可能。1950年代，利特顿来到14世纪就是玻璃制造中心的威尼斯慕拉诺岛，看到一些作坊将小型的玻璃熔炉摆出来，为游客们表演吹制过程——原来，玻璃可以如此轻松的在个人工作室里创作出来！
利特顿被深深的吸引了。回到美国，他开始积极试验、大力倡导个人的小型玻璃工作室，1962年，在Toledo博物馆的支持下，创建了自己的玻璃工作室，并组织了第一次玻璃吹制研讨会。 Studio Glass运动轰轰烈烈的开始了，玻璃，从机械的工业生产中被迅速剥离开来，发展了艺术的多样可能。利特顿也被尊称为Studio Glass运动之父。
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对于席卷全美乃至世界的Studio Glass，不是所有人都愿意被归纳进去。法国的安东尼·勒彼里耶(Antoine Leperlier)，日本的藤田乔平，捷克的李宾斯基夫妇……这些艺术家，努力以自己的文化与哲学，将玻璃艺术，在Studio Glass之外，发展新的可能。 勒彼里耶表示：现代的玻璃艺术市场，是该跳脱出所谓“现代玻璃”的框架，跳出Studio Glass这样一个在当时很新锐的潮流了。
从喧嚣到沉寂，Studio Glass，在经历50年的发展之后，面临困境。许多Studio Glass艺术家，从创作第一件作品开始，几十年的历程，除了色彩、大小，没有改变创作技法。因为改变一种业已熟悉的技法，意味着高昂的成本，就现有市场的收藏家，是无人买单的。玻璃创作的多样性和丰富性，面临无可避免的困境，个体的艺术生命，变得有限而短促。因为创作的终结，许多玻璃艺术家不得不另谋生路，或回到学院教书，或转向装置艺术，与创作的初衷，渐行渐远。
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Studio Glass运动中，利特顿与身为科学家和艺术家的多米里克·拉庇洛（Dominick Labino）等人，成功开发了综合简易的玻璃窑炉，以玻璃作为个人创作而言，有着相当大的意义，例如“手工制作的魅力”、“个人作家的尊重”、“对于超高度工业化社会带来的疏离感所作的反省”等现代艺术家所持有的问题，有了某种程度解答的可能性。
此后，自由的精神、个性的尊重、人性化的手工艺观念在美国推行，简易型熔炉配合个人工作室的方式，使得作者能够独自进行创作而蔚然成风，这是一个巨大的改变。简单的流程，让人人都有成为艺术家的可能。“最终，我们所有人都吹出了玻璃泡泡——像口香糖一样。”适逢其会的艺术家Norm Schulman回忆。
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- 尽管自己也为掌握玻璃的技法而探索精进，利特顿却在1970年代提出独特的观点：Technique is cheap！技术能够延展艺术家创作的可能，然而，唯有无尽的激情才能让艺术家触摸玻璃的本质。
此言一出，千层浪起，这是对艺术家创作思维的肯定，还是对玻璃工艺价值的全面否定？一时争议不断。
而时隔多年，利特顿补充说：“技术本身并不代表什么，但当它到了极富创造能力的人手里，就是另外一种面貌了。” 
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“让玻璃到建筑里去，光经过照射，可以是生活里的新角色。”
捷克的李宾斯基夫妇，是当代玻璃艺术代表性人物，对于玻璃艺术的观念,至今仍然深深影响了两代捷克玻璃艺术家。布勒赫特瓦的父亲，是捷克玻璃艺术的开创者之一，曾获得1921年巴黎博览会雕塑大奖、1935年布鲁塞尔展览会大奖。布勒赫特瓦从小就接受深厚的雕塑训练。1954年，李宾斯基开始与布勒赫特瓦合作，成为世界玻璃艺术界最著名的伉俪。
他们创造了大型浇铸玻璃的做法，利用玻璃的厚薄与内部光影，产生玻璃内在新的、自由的光影空间，把立体主义在玻璃艺术里提升到一个罕见的局面。玻璃的创作，离开造型的拘泥，脱离传统的工艺性的规模，成为一种雕塑性艺术。
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- 当里宾斯基夫妇开始使用铸造作为他们主要技法，获得收藏界青睐，同时，他们也成为覆盖整个捷克玻璃艺术的巨大影子。所有后进的捷克玻璃艺术家，一旦使用铸造作为创作语言，要突破李宾斯基夫妇的成就，十分困难。更何况，他们在捷克布拉格应用学院任教超过40年，深深影响着捷克玻璃艺术教育。我们看到，整个捷克玻璃艺术，抽离了材质变换的丰富性，只留下大，更大的雕塑。
Dana Zamecnikova，是后起之秀中少数开创自己风格的。她坚信：玻璃这种素材无限的可创性，使它可以有更深远的发展。
Zamecnikova1945年生于布拉格，在捷克工业大学研习建筑，在玻璃不同层面涂绘，使她想要在作品架构的形态上表现出时间的立体性。她的作品，运用清晰的立体玻璃涂绘，喷砂，酸性触刻以及利用色笔简单勾勒意象的片段，她将昔日在家具、室内设计及舞台艺术的经历累计表现在作品之中，每一件都富有戏剧性。 -
- 作品3V是李宾斯基夫妇特别赠予上海琉璃艺术博物馆的藏品，全世界独一无二，它的造型，展现毕加索的立体主义对他们的影响。三角锥的造像、线条的切割，在光的互动上，可谓是现代玻璃艺术的典范。
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- 1994年，张毅与杨惠姗赴捷克拜访两位艺术家，1995年，受张毅与杨惠姗之邀，他们热情参与琉璃工房的国际琉璃艺术大展，一下飞机就直奔展览现场，脱了鞋，只穿白袜子参加陈列工作，让人深深领教什么叫作“艺术家的热情”。布勒赫特瓦在看杨惠姗的作品的时候说：“我和李宾斯基在玻璃艺术界四十年，我们其实尝试经历过所有创作心路，但是，在玻璃本质上的思考心得－－诸如内在空间，内在光线的特质，都是近十年的事，妳的作品，创作历史不过七、八年，可是，我已经看到你来到核心了。”
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- 史蒂文•温伯格自己承认，在50岁之前的生活是完全混乱的：脾气暴躁，经常酗酒闹事，是个不折不扣的坏小子。
然而，他的作品，具有理性而优雅的线条，冷静而稳定的控制，船、浮标、港湾，以及大海、气泡和色彩……平静而美丽，为什么会有如此剧烈的反差？
“创作艺术的过程，我在生活中的种种不确定中，寻找平静，在这样一个令人晕眩无法掌握的世界，经营一种和谐。”温伯格说。“我就好像是另外一个Steven Weinberg”，当他沉浸在玻璃创作中，情况变得不一样了。他决定好好的生活，成为好丈夫、好父亲。
是不是应该拍手？赞颂玻璃对于人类心灵，那神奇的净化力量！ -
- “透明立方体”系列，是温伯格痴迷的结构。在去往墨西哥的旅途中，他被玛雅废墟深深迷住了。他将对这种建筑的探索融入在立方体，同时，精准定位的气泡，也成为其作品的重要标志。
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- 20多年前，当杨惠姗第一次看到温伯格的作品，她突然的知道了，现代玻璃艺术所谓的“内在空间”，那种清澈、宁静深深吸引了她。
温伯格的作品是杨惠姗的第一件收藏， 当上海琉璃艺术博物馆成立，邀请国际艺术家展览，张毅和杨惠姗第一个想到的名字，就是温伯格。
杨惠姗曾经与温伯格在美国、新加波举办联展，自许为他的后辈。而在温伯格眼中，“杨惠姗很了不起，我对她的感觉，就像是上辈子见过一样”。他甚至说，50年以后，我不介意人们记住我是杨惠姗的朋友。很长一段时间内，温伯格住在罗得岛他深爱的海边，捕鱼船船身的横截面激发了艺术家的灵感，创作出最著名的Boat“船”系列。弧线优美的船身、摇摆晃动的浮标、浪漫的浅湾、柔软的沙砾、流动的水元素，都在温伯格富于掌控力的手中凝固，静止的时空里能感觉到海风纯净和谐的清凉。
这样的感染力把人与自然的距离变为零，却把生命存在时所需要的关照放到最大，玻璃已经不是一种材质，而成为表达情感最妥帖的的语言！
温伯格从来没有停留在自己的成功，他永远在作品得到高度的评价之后，发展全新的创作系列。就让我们乘着他的玻璃船，去探索玻璃艺术更多未知的领域！ -
- “如果你惠赠给它们以阳春之温暖，它们将会盛开，将回赠你以花形、花色和香气。如果你化为养料和水分，它们将成长为花朵、果实、参天大树的树枝。”
——惠特曼《无以类比的根和叶》 -
- 一根根如发丝纤细的彩色玻璃管，被融化并制作成花朵、种子、树叶、蜜蜂，再镶嵌于透明玻璃中，宛如真实的生命凝缩在细微的空间中。有人将Stankard的作品，形容为玻璃中的诗。这很容易让人想到加莱。而他自己说，“我的创作用最直接的层面来描绘自然界最原始的美。这些都是受到了诗人惠特曼的影响。”幼年时，斯坦卡因为患有阅读障碍者，成绩极差，进大学的机会极为渺茫。在父母的鼓励下，他考上了以吹制玻璃为主的职业学校。毕业结婚后，他试着做出一些新奇的玻璃工艺品贴补家用，谁曾想，超乎寻常的敏锐心灵，成就了最诗意的自然幻想。
斯坦卡有时会在极为纤细的玻璃管上刻上wet、light等文字，并留下名字，让观众在他的微观世纪里充满探索的乐趣。
他的作品已被希拉里·克林顿、比尔盖茨以及英国女王等收藏。 -
- “我将自己和社会、自然的物理关系，转化为心灵的纵横线；穿越不同阶层的生命形式与意义，透过作品建构起人与宇宙关系的桥梁。”
《City》是Musler最具代表性的作品。他戏剧化地把城市的轮廓，缩影在这只大碗上。像是我们将自己放在一个大的宇宙空间里看这个世界。在玻璃作品上喷砂，并进行彩绘，让光在城市底部扩散，产生了一种既真实又虚幻、既明亮又阴暗、既美丽又沉重的城市印象。这件作品似乎在折射着暗红落日下的昏黄建筑，在简单的造型中，呈现无限的诗意，曾多次登上玻璃艺术杂志封面。
然而，在此之后，Musler的创作，都无法超越City，不能不说，是一个极大遗憾。 -
- 英国的维多利亚女王，因子女后代遍及欧洲皇室贵族，被称为“欧洲的祖母”，被看作“母职神圣象征”的她，曾在一封私密的信件里哀叹女性在生育中的苦痛：“亲爱的女儿，你说给予一个不朽的灵魂以生命，是一件非常值得骄傲的事，但我自己却难以有这种想法。在生育中，我们可怜的本性变得非常动物化……整天哺育婴儿和换尿布，让很多优雅而聪明的淑女走上毁灭之路”。
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- 女性在家庭中的地位，也是Ann Wolff思考的命题，她将女性的形象故事化及寓言化，并以此辩证着女人做为一个独立的个体，应该如何与男性共处的主题，例如：女性一方面作为家庭的创造者和生命的孕育者，另一方面，她们也是独立的生命体，需要个人自由。独特的女性主义观念，让她的作品在世界玻璃艺术中占有不可忽略的地位。她的作品有力而又细腻，彩色或透明的作品既抽象又具象，以简洁线条和同一色调的交叉和重叠，表现脸部、胸部、肢体。她常常在一件作品种同时使用正反两种浇铸模具,表现内心的挣扎。而作品内部大量密集的气泡,象征着随时可能从母体孕育出的一个个生命。
她深受李宾斯基夫妇等艺术家的影响，渴求用雕塑表现自己的思想。她的作品被德国Karlsruhe博物馆，纽约康宁玻璃博物馆，德国福诺艺术博物馆等许多世界知名博物馆典藏。 -
- 藤田乔平是日本极为重要的玻璃艺术家。他在日本与现代玻璃艺术一起成长。他的作品可以唤起大家对传统生活方式的永久怀念，尤其是茶道。他于1921年生于东京，毕业于东京艺术学院的金属专门系。这里的训练影响了他的一生。他将玻璃纹理与黄金和白金的结合，有一股浓厚的禅意。“那不只是颜色，其中还表达了人类的精神，思维及情感”。
1993年在日本的展览中，杨惠姗与藤田乔平结识。那一个个享誉世界的、金碧辉煌的玻璃盒子，深深打动了杨惠姗。作品源自日本传统漆器的莳绘装饰, 混合了金箔贴饰，雕刻，镶嵌的工艺语汇，透过藤田先生运用吹模的玻璃技法, 加上金箔, 金属的嵌框, 极其炫丽地再诠释了日本传统。
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- 在现代琉璃艺术里，所有的努力之所以动人，常是在浩瀚时空里的独特性，而这样的独特性，又根植在一种历史感情。一个人先承认自己的过去，珍惜自己的过去，他的质感就先丰富起来。
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- 1987年，张毅与杨惠姗在台湾，创办亚洲第一个玻璃艺术工作室——琉璃工房。作为最早关注美国玻璃运动发展的先驱，张毅同年就远赴纽约，联络洽谈在台湾举办国际玻璃大展的意愿，以现代玻璃艺术观察者和参与者的身份，张毅与杨惠姗与诸多国际艺术家，建立了密切的联系。1993年，琉璃工房在北京故宫首次展览，Studio Glass运动的代表人物Dale Chihuly赫然到场。
1995年、2001年，张毅以一己之力，投入一般人不能想象的巨资，在台北、上海、北京先后举办三次国际玻璃艺术大展，几乎囊括了所有Studio Glass运动的知名作家，他们的作品，也成为上海琉璃艺术博物馆重要馆藏的来源。本次展出作品，则是其中极为精华的呈现。
张毅坚信，打开国际的视野，才能一手推动中国玻璃艺术的发展。《纽约时报》赞誉张毅为“亚洲Studio Glass运动之父”，与哈维·利特顿在美国的精神，遥相呼应。 -
